Festival Programme Sa, 5.2.2011 - 01:00

Derzeit erleben wir eine immer stärkere Biologisierung der Medien. Unsere Handlungs- und Reaktionsmuster werden in dieser 'biomedialen' Umwelt sensorisch, taktil und emotional mit eingebunden: Computer und Gehirn als eine Synthese. 
Die Teilnehmer dieser Fokus-Diskussion sprechen  einerseits über die Auswirkungen solcher Prozesse auf unseren biologischen und sozialen Körper, andererseits darüber, welche künstlerisch-experimentellen Selbstermächtigungsstrategien solcher Re-Modellierungen es bereits gibt.

In diesem Keynote-Gespräch (Track 2) diskutieren die Philosophen Franco Berardi und Maurizio Lazzarato die neue Dimension der Bio-Ökonomie als eine Ökonomie des Lebens, die mit den gegenwärtigen Bedingungen der digitalen Netzwerke entsteht.

Einer der Höhepunkte des Festivals ist die jährliche Award Ceremony, bei der die transmediale international herausragende Künstler, Kunstwerke und Projekte aus dem Bereich der digitalen Kunst auszeichnet. In diesem Jahr wird neben dem transmediale Award für visionäre Arbeiten im Kontext unserer technologisch geprägten Gesellschaft, dem Vilém Flusser Theory Award für kunstbasierte Forschung und Diskurse erstmals der Open Web Award ausgelobt. Mit diesem Preis sollen freie und offen zugängliche Technologien unterstützt und die Möglichkeiten der Partizipation und Zusammenarbeit gefördert werden.

Vilém Flusser und Marshall McLuhan waren zweifellos die wichtigsten Denker des frühen Internetzeitalters. Beide sahen im Aufkommen elektronischer Bilder einen Cultural Turn voraus. Leider haben uns beide verlassen, bevor sie je wirklich die Veränderungen erleben konnten, die sie vorhergesagt haben. In diesem Screening wird selten gezeigtes historisches Video- und Filmmaterial gezeigt, in dem beide Theoretiker ihre mit dem Zeitalter technischer Bilder verknüpften Ängste und Hoffnungen schildern.

In diesem Programm werden Raritäten aus dem Bundesarchiv zur frühen Fernsehgeschichte Deutschlands gezeigt. In den Filmen aus den 1930er und 40er Jahren geht es thematisch um das prozessuale Fortschreiten der medialen Live-Schaltung der Gesellschaft und die damit verbundenen, damals revolutionär neuen Überwachungsmöglichkeiten. Ein Expertengespräch mit Prof. Joseph Hoppe rundet die Veranstaltung ab.

In den 1960er Jahren wurde das Fernsehen zu dem dominanten Medium schlechthin, an dem sich alle anderen neu ausrichten mussten. Gleichzeitig begann eine intensive künstlerische Auseinandersetzung damit, die bis heute andauert. Das Programm präsentiert acht beispielhafte Werke zu diesem Thema.

Die vorgeblich unendliche Freiheit des Netzes setzt scheinbar eine permanente Online-Partizipation, Kommunikation und Live-Schaltung des realen mit dem virtuellen Leben voraus. Die daraus resultierende unausgesprochene Angst vor einem Rückzug aus dem Netz führt zu einem immer lauter werdenden Ruf nach Möglichkeiten für einen Ausweg. Das Fokus Panel Exit Lab stellt Perspektiven bezüglich des "Rechts zum Ausstieg" vor, die nicht nur eine absolute Abkehr, sondern vor allem eine Umkehr von Machtstrukturen und -gerüsten des Netzes diskutieren.

 

 

In den letzten Jahren war die Free Culture-Bewegung sehr stark auf die Entwicklung von alternativen Rechte- und Lizenzsystemen fokussiert. Entsprechende ökonomische Bezugsgrößen außerhalb des klassischen Businessplans sind allerdings jetzt erst so richtig in Gang gekommen: Crowdsourcing, Microfunding und Shared Economy – neue Schlagwörter einer Gesellschaft, die sich nicht mehr allein auf kapitalistische Prinzipien verlassen will. Trotzdem gibt es auch viele Fragen – zum Beispiel wie man „freie“ kulturelle Services in eine ökonomische Währung konvertieren kann.

Die Entscheidung des Berliner Intendanten Hans Flesch, im Radio Musik nicht live, sondern von Schallplatten zu senden, löst 1930 eine breite Kontroverse aus, an der sich zahlreiche prominente Zeitgenossen beteiligen. Ab den 1950ern wird die „Liveness“ von massenmedialen Informationen als künstlerisches Material für eine Ästhetik der „Indeterminacy“ entdeckt. In den 1960ern widmen sich sowohl Nam June Paik wie Umberto Eco der „Liveness“ des Fernsehens.

Calling the game input the “controller” was the first lie. In fact, games control us – and we like it.
Controlled Invasion is a vehicle for drawing attention to the liberating, enthralling, gratifying and, yes, dangerous power of interactive games. The workshop leaders will engage their guests and distant collaborators to build a framework of game design ethics that recognises the equal measures of pleasure and peril inherent to this persuasive medium. Thorsten and Heather will interview experts in art and technology about the human body, spirituality, and social philosophy.

Es ist falsch zu glauben, der "Controller" sei bei Games der Input. Fakt ist, die Spiele kontrollieren uns – und uns gefällt das. Controlled Invasion provoziert die Auseinandersetzung mit den befreienden, packenden, lustvollen und bedrohlichen Mächten interaktiver Spielplätze. Die Workshop-Leiter laden Teilnehmer und zugeschaltete Mitdenker ein, einen ethischen Game-Design-Rahmen zu schaffen, die innewohnende Freude und Gefahr dieses überzeugungsstarken Mediums gleichermaßen berücksichtigt. Experten aus der Kunst- und Technologiewelt werden in Bezug auf Games zu Körper, Spiritualität und Philosophie befragt.

Mobile Kommunikationstechnologien sind allgegenwärtig geworden. Mit ihrer Möglichkeit zur ständigen Konnektivität schaffen sie Informationsräume, die von der abwesenden Anwesenheit geprägt sind.

Dorothy of the Day ist das Soloprojekt der australischen Sängerin Rachel Holmshaw. Inspiriert von Hollywood Musicalfilmen aus den 1930ern webt die Sängerin vielschichtige, sich ganz behutsam verschiebende, nostalgisch-träumerische Klanglandschaften nur mit der eigenen Stimme und einem Loop-Pedal.

Resom beschreibt ihren Sound so: Dunkler Elektrorobodisko zu hochfliegenden Breaks und poppigem Minimal-Frickel-Techno oder Chain-Reaction-Dub – sie verkraftet alles. Außer nett sein. Für sie soll es lieber gruselig, böse und dunkel sein, damit es ihr gut geht!

Daito Manabe hat ein 'Gesichtsinstrument' geschaffen, bei dem er die Gesichter von Menschen im Rhythmus zu Musik mit Eletroschocks stimuliert und so künstlich bewegt. In diesem Workshop haben Teilnehmer die Gelegenheit gegenseitig ihre Gesichter zu "hacken" und damit Erfahrungen jenseits natürlicher Gesichtsmimik zu machen.

live performance by Ei Wada
Braun Tube Jazz Band

In dieser Solo-Performance fungieren zwei Overheadprojektoren als analoges VJ-Tool. Aus einer Kombination manueller Klangerzeugung und automatisierter Mechanik erwachsen subtile, polyrhythmische Klänge. Bild und Musik verschmelzen dank des fulminanten Farb- und Lichtspiels auf den Leuchtflächen der Projektoren.